Practica Alvar Aalto

1.- Esta lámpara se puede encuadrar dentro de la obra de Alvar Aalto no solo porque sabemos que es una obra suya sino también por otras características muy presentes en la obra del arquitecto finlandés. En primer lugar está esa preocupación por que la forma sea discípula de la función, ya que la lámpara simplemente es un cilindro alrededor de una bombilla, es decir, cumple su función sin casi ningún ornamento. Solamente las tiras que hay en uno de los lados rompen ese cilindro, que sin embargo son totalmente necesarias para que la luz salga en más direcciones. Además también el material utilizado es un indicador claro del autor, ya que está hecha de acero y madera, y este último es un material muy recurrente en toda la obra de Aalto como diseñador.

2.- El objeto presentado es una lámpara pensada para la Maison Louis Carré que fue concebida por Alvar Aalto en 1957 para Louis Carré. El edificio está pensado con esa idea que Aalto tenía de integrar el edificio en el paisaje y además adaptar perfectamente la forma a la función de la construcción. Así crea una casa integrada en el paisaje, pero que a la vez tiene un sentido de la modernidad muy marcado. Si nos referimos a su interior y a su relación con el objeto elegido también se aprecia la mano de Aalto, ya que los listones de madera del techo y de las paredes se relacionan con las tiras de la lámpara. Además la forma cilíndrica de la lámpara y la curvatura del techo se complementan a la perfección.

3.- Tanto el objeto como el edificio pueden explicarse perfectamente de forma individual. Aún así, el edificio no aceptaría un objeto que chocase claramente con la filosofía arquitectónica que Aalto sigue, y lo mismo pasa con la lámpara. Es un objeto que encaja en muchos ambientes, pero en algunos de una forma más adecuada que en otros. Esa es una de la mejores características de la obra de este autor, y es que todos sus objetos y edificios encajan a la perfección unos con otros, pero también esos objetos encajarían en habitaciones de otro estilo, ya que están ideados para que se relacionen no solo con su entorno, sino también con el ser humano y éste está presente en cualquier habitación.

4.- En nuestro grupo no nos posicionamos ni a favor ni en contra de ninguna de las dos corrientes, ya que creemos que en algunos aspectos, el diseño de los objetos tiene que tener rasgos comunes con el lugar donde se vaya a colocar, sin embargo es la propia innovación la que marca las formas y materiales de los objetos. En conclusión, consideramos que los objetos deben seguir unas pautas comunes acordes a los cánones de cada época y al mercado al que están orientado, pero siempre siguiendo una evolución en su diseño utilizando para ello las técnicas más innovadoras con las que se consiguen desarrollar los productos. Por poner un ejemplo, los diseños para una tienda del tipo Ikea no podrán estar pensados para unos ambientes de clase alta, ya que el mercado al que se orienta es de precios más económicos. Hemos dicho.

5.- Como posible fotomontaje elegimos esta recreación, en la cual la propia lámpara de Aalto se encontraría situada en una guardería infantil, donde se hallaría fuera de su entorno tanto por razones materiales como por razones psíquicas, ya que es una lámpara que, aparte de cumplir su función como tal, también tiene un gran papel decorativo para los que la contemplen, y estando en este lugar pierde esta gran característica, debido a que los espectadores son niños que tienen una escasa apreciación por la estética a esas edades. Además, las formas de la lámpara tampoco concuerdan demasiado con las que encontramos en esta habitación, como tampoco los colores usados ni el resto del mobiliario. Si a esto le añadimos que los demás focos de iluminación tampoco encajan con la lámpara, éste sería un claro ejemplo de desajuste en la utilización de un objeto de diseño.

TEXTO WALTER GROPIUS

El texto de Walter Gropuis está escrito en 1926, una época en la cual empiezan a aparecer nuevas tecnologías y la artesanía va perdiendo peso en relación con la producción industrial, pues se trata de sólo unos años después de la segunda revolución industrial, en la cuál se desarrollan ciertas industrias y aparecen nuevas innovaciones tales como el motor de combustión interna, el aeroplano, la industria del automóvil, y sobre todo destaca por ser el inicio de la producción en masa de los bienes de consumo, por tanto estamos en pleno auge industrial.

Walter Gropius es un arquitecto alemán que destaca por ser el creador de una escuela de arte, diseño y arquitectura, a la cual llamó Das Staatliches Bauhaus. En el texto se citan los valores principales de esta escuela, cuyo edificio cumple a la perfección dichos valores. Posteriormente creó un grupo de arquitectos que dirigió durante años, este grupo se llamaba The Architects Collaborative, Inc.
Los edificios de Gropius son edificios tipo la Bauhaus, con materiales nuevos para la época que hacían parecer a sus edificios, edificios modernos. Se tratan de edificios lisos, planos, sin ningún tipo de ornamentación, centrándose así en la funcionalidad de la obra.

Unas de sus obras más importantes son:
-Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
-Ciudad Gropius (Berlín)
-Torre PanAm (Nueva York)

En el texto Gropius se resaltan 2 valores básicos de la Bauhaus, estos son:
Describe la funcionalidad como el aspecto mas importante, tanto para el diseño como para la arquitectura, rechazando así la ornamentación y la forma como meta en el trabajo a realizar y buscando la esencia del objeto, centrándose sobre todo en la búsqueda de una funcionalidad, durabilidad, precio barato a la vez que deja un hueco para la estética, ya que el objeto debe ser bonito.

El segundo apartado que más toca Gropius es la búsqueda de la unión entre el futuro (industria) y el pasado (artesanía), pudiendo así aprovechar ideas artesanas de productos de calidad, pero siendo fabricadas en masa, abaratando así los costes del producto, manteniendo la calidad, pero dando mayor accesibilidad a la sociedad. A todo esto se llega creando ciertos modelos estándar, plenos de sencillez, permitiendo así su fabricación en masa, una mayor aceptación y rebajando los costes del producto. Es decir, creando un producto útil, bonito y barato.

En la Bauhaus se cumplen a la perfección estos valores, mediante el diseño del producto por personas altamente cualificadas para conseguir un producto que se pueda producir en masa, el cual es realizado en empresas ajenas. La Bauhaus busca así una especie de unión entre la artesanía y la industria, ya que la reciente segunda revolución industrial marca la sociedad, que sin embargo no se olvida del todo de la artesanía.
En definitiva, la Bauhaus consigue productos como los de Gropius, lisos, útiles y sin ningún tipo de ornamentación, mediante la creación de laboratorios para conseguir los valores señalados en dichos textos.

Para ejemplificar las características de la escuela Bauhaus, serviría esta mesa diseñada por la irlandesa Eileen Gray, ya que es un objeto sin ornamentación pero que en cambio tiene una funcionalidad máxima ya que no hay ninguna parte del objeto que pueda interferir en su uso como mesa. Pero no solo es la funcionalidad la única característica que relaciona este mueble con la Bauhaus, sino que al estar realizada con forma simples aros y cilindros de metal, puede ser fácilmente fabricada en masa, consiguiendo así un precio más asequible de cara al mercado más común. Por último cabe destacar que, aunque no todo el mundo tiene la misma concepción de belleza, éste no es un objeto al que podamos llamar “feo”, ya que tiene una armonía que le confiere ese grado de belleza también buscado por la Bauhaus.

Concepto de belleza según Frank Gehry

En primer lugar, hay que establecer el contexto social de este autor para así definir mejor sus influencias. Frank O. Gehry nació en Toronto, Canadá, en 1929. Aun así, no fue en este país donde empezó a ejercer como arquitecto, sino en Estados Unidos, en la ciudad de Los Ángeles más concretamente. Allí abrió su primer y modesto estudio en 1962 y desde un principio el carácter visual de la ciudad dejó una profunda huella en su trabajo. Muchas de las cosas que allí se ven -los bungalós de estuco, las vallas de tela metálica de las casas, los vistosos azulejos de colores de inspiración española, las palmeras ondeando al viento y el movimiento e inmensidad del Océano Pacífico- pasaron a constituir desde entonces elementos esenciales de su arquitectura. Antes de abrir este primer estudio en 1962, estuvo el año anterior viviendo en París con su familia, y en esta ciudad también recibió numerosas influencias, sobre todo del arquitecto Le Corbusier, cuyas obras estudió junto a otras de variados arquitectos europeos.

Una vez establecidas las influencias más importantes de Frank Gehry, nos centraremos en la idea que él tiene de belleza, que consideramos que se deduce de las características de sus obras, ya que un arquitecto-diseñador creará cosas que él considera bellas.

En primer lugar, y refiriéndonos a su arquitectura, hay que destacar que este autor considera a los edificios como obras de arte por ellos mismos, como si fuesen esculturas. Siempre teniendo en cuenta además la funcionalidad y el sentido práctico que un edificio debe tener y la importancia que la gente tiene respecto al mismo. Asentada esta base, las obras de Frank O. Gehry buscan además cierto mimetismo con el paisaje, desde el punto de vista que no quieren ser obras puestas en ese escenario sin más, sino que quiere que el paisaje y el edificio se complementen uno al otro. Aún así esto no significa que los edificios sean simples o convencionales, sino todo lo contrario. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Debido a esta contraposición de formas, muchas veces el ojo experto será capaz de valorar el trabajo que una persona con menos conocimientos.

Si nos centramos en su labor como diseñador, recibe influencias sobre todo de Charles y Ray Eames, especialmente respecto al mobiliario. En este aspecto, sus diseños trabajan con materiales que normalmente no asociamos a estos objetos. También las formas son importantes y chocan con las concepciones que tenemos, ya que juega con curvas y planos que se intersecan de formas inesperadas.

Respecto a la imagen mostrada a la izquierda, es una pieza de mobiliario que no pertenece a Frank O. Gehry, sino a Dripta Roy, pero que si se podría encuadrar en su concepto de belleza debido a ese juego con planos curvos, a la vez que está dotada de una gran funcionalidad. Esta funcionalidad viene definida por la combinación de cuatro piezas de mobiliario en una sola. Para ejemplificar esta correspondencia en la idea de belleza, acompañamos con otra silla (foto más arriba), esta vez diseñada por Frank O. Gehry, dejando claro la similitud de conceptos de ambas piezas.

LOGO

Este es el logo de la asignatura de estética, basado en los siguientes principios, los cuales consideramos útiles para el diseño:

-Simplicidad: Se trata de un logo simple, ya que esta conformado por dos X, lo que significa 20 en números romanos, siendo este el número de nuestro grupo.

-Linealidad: No es un apartado del todo necesario, pero es una característica de nuestro logo, nos apartamos de logos más curvilíneos y creamos un logo compuesto por rectas, lo que da sobriedad y seriedad.

-Orden: es un logo totalmente ordenado, con la información que da siempre en el centro de los lados del rectángulo sobre el que se expresa.

-Representación: Representa a nuestro grupo (el 20), a la asignatura (estética), el año (09/10) y también a nosotros, con un color verde que indica que somos gente a la que gusta el medio ambiente.

-Simetría: Está compuesto con una figura totalmente simétrica, esto permite dotar al logo de seriedad, orden, belleza, etc.